Fotografie de Bob West

Prima fotografie a peisajului a fost făcută în 1826 de inventatorul Joseph Nicéphore Niepce. Înfățișează acoperișurile orașului luate de la fereastra studioului său. Dacă folosim terminologie modernă, acesta este un peisaj arhitectural, una dintre varietățile genului de peisaj. De atunci, peisajul a rămas unul dintre cele mai populare genuri de fotografie. Tipologia peisajelor este variată și adesea specifică. Peisajele includ peisaje urbane și arhitectură, munți, peisaje marine, fotografii de peisaj și fotografii aeriene.

Fotografii pentru toată lumea

Fotografilor amatori le place să fotografieze peisajele „ca suveniruri”. Profesioniștii consideră că este dificil și nu sunt mulți fotografi profesioniști de peisaj. În ciuda aparentei ușurințe de a surprinde un peisaj astfel încât să iasă frumos, nu toată lumea o poate face. Spre deosebire de alte genuri, fotografia de peisaj nu are o parcelă clar definită și doar talentul unui fotograf poate da viață unui desen natural finit, transmite sentimentul locului în sine, spiritul său.

Pe lângă peisajul artistic, are o mare valoare documentară, întrucât obiectele reprezentate pot dispărea în timp și doar fotografia va mărturisi existența lor. Peisajul documentat este important pentru munca geografilor, geologilor, istoricilor sau serviciilor de conservare a naturii.

Peisaj documentar

Acest lucru poate fi confirmat de opera celebrului orientalist Alexander Kun. Timp de doi ani, Kun a lucrat la crearea „Albumului Turkestan”, dedicat vieții și modului de viață din regiunea Asiei Centrale. Această publicație rară există în doar șapte exemplare și constă din patru părți: etnografică, arheologică, istorică și comercială. Albumul include peste 1000 de fotografii. Lucrarea a fost finalizată în 1872. Celebrul critic V.V. Stasov a remarcat că „nu am fost prezentați într-o completitudine atât de sistematică<…>nicio parte a statului nostru”.

Fotografia documentară vă permite să vedeți schimbările care se produc în mod inevitabil sub influența timpului și la asta lucrează fotografi specializați de peisaj. De exemplu, uitându-ne la lucrările lui Serghei Proskudin-Gorsky, putem obține o imagine completă a locurilor care ne sunt familiare în timpul Rusiei țariste.

În 1909, țarul Nicolae al II-lea l-a instruit pe Serghei Mihailovici să captureze în fotografii color Imperiul Rusîn scopul documentării vieţii statului. Proskudin-Gorsky a călătorit într-o parte semnificativă a Rusiei, fotografiend mănăstiri antice, temple și vederi ale orașelor. Pentru a crea fotografii color, maestrul a folosit plăci fotografice monocrome și o cameră specială. Cu această mașină a fost posibilă realizarea a trei imagini separate ale aceluiași peisaj cu filtre diferite (albastru, verde și roșu). Apoi cele trei imagini rezultate au fost combinate într-o singură culoare. În timpul lucrărilor au fost filmate câteva mii de plăci.

Importanța fotografiilor de calitate

Pe lângă valoarea istorică și științifică, fotografia documentară a peisajelor ne permite să atragem atenția asupra probleme de mediu. Timp de 20 de ani, tema centrală a lucrării celebrului fotograf peisagist american Ansel Adams au fost peisajele pustii din munții și deșerturile din California. „Fotografia este un mijloc puternic de exprimare și comunicare, cu o varietate nesfârșită de vederi, interpretări și execuții”, a spus Ansel Adams. Fotografiile sale au revoluționat nu numai arta, ci și viața politică a Americii. Datorită fotografiilor lui Adams, munții Sierra Nevada au fost recunoscuți ca un monument natural unic și luați sub protecția statului.

Spre deosebire de opera lui Ansel Adams, fotografiile lui Michael Kenn se caracterizează printr-o anumită delicatețe a tonului. Dar, ca și munca lui Adams, fotografiile sale evocă răspunsuri emoționale puternice. Michael creează fotografii surprinzător de moi, dar în același timp emoționant. De regulă, își face fotografiile noaptea sau în orele dinainte de zori. Lumina difuză transformă fundalul, de obicei bogat în detalii, într-o tonalitate distribuită neuniform. Expunerile lungi estompează limitele imaginii, cerul se transformă lin în apă, apa în pietre și împreună formează un singur întreg. Fotografiile sale evocă privitorului un sentiment de liniște uimitoare și calm.

Cu care mai trebuie să poți negocia. Natura este frumoasă în sine. Cu toate acestea, cât de des priveliștile superbe care dau naștere la sentimente de tristețe sau fericire, atunci când sunt surprinse de o cameră, devin fotografii mediocre și plictisitoare! Un fotograf de peisaj trebuie să posede și să dezvolte gustul și simțul frumosului. Pe lângă dragostea lui pentru natură, va avea nevoie de multe abilități pentru a realiza fotografii de peisaj de succes. Legile compoziției și cunoașterea caracteristicilor luminii nu sunt în niciun caz cheia succesului unei fotografii bune de peisaj. Pentru un locuitor al orașului, fotografia de peisaj poate fi un hobby excelent care aduce o schimbare de peisaj, relaxare și bucuria creativității. Admirați fotografiile secțiunii, priviți secțiunea „Lecții de fotografie”, priviți lucrările fotografilor celebri de peisaj și alăturați-vă cunoscătorilor de frumusețe - fotografi de peisaj.

America abandonată
Alexa Mackenzie

Alex McKenzie este un fotograf autodidact, călător și operator de drone. În prezent, Alex locuiește și lucrează în Colorado. Fotografiază în principal natura, peisajele și locurile abandonate. Alex călătorește prin țară în căutarea obiectelor interesante lăsate în urmă de oameni. El folosește o cameră Sony A7RII și un DJI Mavic 2 Pro.

Bună ziua, dragi cititori! Numele meu este Yuri Turyanitsa și sunt fotograf amator. Se spune chiar că am câteva fotografii foarte bune... Știi, mă bucur de asta, pentru că a avea mai multe fotografii foarte bune este mai bine decât cincizeci de fotografii bune și mult mai bine decât gigaocteți
mediocru. Acesta, de fapt, este primul gând care merită atenție. Nu-mi aparține, dar sunt complet de acord cu el. Deci, ce ne poate ajuta să obținem cele mai bune fotografii? La asta voi încerca să mă gândesc cu tine în acest articol.

În general, poți vorbi și argumenta despre fotografie atât cât vrei. Dar lasă-i pe teoreticienii care suferă de insomnie să facă asta. Ne vom uita la câteva probleme practice pe care le întâlnim cel mai des.
Aș dori să notez, totuși, că tot ceea ce este menționat mai jos este viziunea mea personală asupra lucrurilor, pe baza mea propria experiențăși nu este adevărul suprem.

Deci, sunt adesea întrebat - „cu ce a fost filmat asta” și „cum a fost filmat”? La un moment dat, am încercat multe lentile diferite, la fel ca eroul celebrei fabule „Despre pisică și fotografie”. Apoi totul a dispărut cumva de la sine. Prin urmare, să mă ierte Leika și Hasselblad, în fotografia creativă de peisaj, dacă nu există un specific sarcina comerciala, tehnica nu contează pentru mine. Aproape toată lumea poate trage. La urma urmei, „peisajul este o stare de spirit”.

Și cel mai mult cea mai buna camera- acesta este cel care se afla in mainile tale in acest moment, iar cel mai bun obiectiv este cel instalat pe el. Prin urmare, timpul pe care îl veți petrece citind forumuri în care „uratorii de balene” își spun reciproc diverse povești în căutarea „celui mai bun”
pahar pentru”, este mai bine să-l petreci undeva într-un parc sau în afara orașului, mai aproape de Mama Natură – inspiratorul nostru spiritual.
Iar tehnologia este doar un instrument în mâinile fotografului.
Îmi pare sincer rău pentru fotografii, al căror avantaj principal constă în obiectivul cu care au fost făcute... Desigur, asta nu înseamnă deloc că trebuie să renunți complet la experimentarea cu tehnologie, pur și simplu nu ar trebui acorda prea multa importanta acestuia de mare importantași așteptați un efect imediat
efect - butonul „capodopera” de pe cameră nu a fost încă inventat.

Deoarece s-au scris multe despre caracteristicile și necesitatea utilizării unuia sau aceluia echipament fotografic în fotografia de peisaj, luați măcar articolele anterioare din această secțiune a revistei, nu mă voi opri prea mult asupra acestui lucru. Voi spune doar că în acest moment Pentru creativitatea mea, folosesc un vechi Nikon D300 cu un Nikkor 18-200 VR universal, un teleobiectiv Nikkor 55-300 VR și un obiectiv Nikkor 12-24/4.

Pe lângă un trepied, un set de filtre cu gradient gri neutru de diferite densități, un polarizator circular și un cablu de eliberare. Aici aș dori să remarc că singurul obiectiv pentru care nu am avut absolut nicio plângere a fost Nikkor 12–24/4 (precum și Nikon D300 în sine). Acesta este probabil obiectivul meu preferat; cele mai multe dintre cele mai de succes fotografii au fost făcute cu el. Deși nu exclud că a fost doar pentru că era în fața camerei în acel moment...

Este imposibil să nu acordați atenție componentei practice a procesului de fotografiere în sine. Aș dori să mă opresc mai detaliat asupra acestui lucru. Deci, este mai bine să faceți toate fotografiile serioase cu un trepied... Cu excepția, desigur, pentru a merge ușor, când supraponderal poate reduce semnificativ plăcerea plimbării în sine (vorbesc despre mine). Dar, așa cum se întâmplă adesea, la astfel de plimbări, când te aștepți mai puțin, dai peste niște fotografii foarte interesante. Așa că cumpărați un trepied mai ușor.

Daca tot nu ai un trepied la indemana, poti creste valoarea ISO, poti fixa mai bine camera in maini (in pozitia pistolului) sau pur si simplu sa pornesti stabilizatorul de imagine (mai e un lucru bun, iti spun eu). ). Când fotografiați fără stabilizator, trebuie să utilizați așa-numita viteză sigură a obturatorului, care este determinată prin împărțirea uneia la distanța focală la care fotografiați. Adică, dacă distanța focală este de 100 mm, viteza obturatorului nu trebuie să fie mai mare de 1/100 de secundă.

Când folosesc un trepied, opresc stabilizatorul de imagine a obiectivului, dacă există. Folosesc un cablu de declanșare pentru a elibera obturatorul. Puteți utiliza și modul autodeclanșator, dar în unele cazuri, de exemplu, când fotografiați o scenă cu expuneri diferite și nori dinamici, întârzierea
chiar și 2 secunde vor duce la o deplasare semnificativă a acestor nori, care la rândul lor pot provoca dificultăți în procesarea ulterioară. Desigur, cu excepția cazului în care o astfel de schimbare face parte din intriga intenționată.

Am setat camera în modul prioritate diafragmă, mai rar în modul manual. De obicei, îmi închid diafragma la 11 pentru a obține o adâncime maximă de câmp pe întregul cadru, ceea ce este atât de important în fotografia clasică de peisaj. Acest moment, apropo, explică de ce diafragma obiectivului este aici
nu joaca la fel de bine rol decisiv. Folosesc mai rar valoarea 8, de exemplu, când fotografiez la distanțe focale mari, când fiecare fracțiune de secundă de expunere amenință să aibă ca rezultat „neclaritate” și, ca urmare, un cadru ruinat. În general, folosesc o gamă variată de aceleași distanțe focale și depinde de scena specifică și de sarcina fotografiată - indiferent dacă este vorba de o vedere de la un vârf de munte sau de un copac singuratic pe un deal îndepărtat.

Focalizez la aproximativ 1/3 din adâncimea scenei sau pe subiectul principal pe care îl filmez. Aleg focalizarea după punct central. Focalizez acolo unde mi-am propus, opresc autofocusul, compun cadrul fără a modifica distanța focală a obiectivului și, în final, fixez camera pe un trepied.

De obicei folosesc măsurarea matricială, pe întregul câmp al cadrului. După eliberarea obturatorului, văd fotografia în modul „Lumină”. Dacă este necesar, ajustez expunerea pentru a evita aceste erupții. Dacă diferența de luminozitate a scenei, cum ar fi între cer și sol, este prea mare,
Folosesc un filtru de gradient sau iau mai multe cadre - cu expunerea corectă pentru cer și sol pentru o combinație ulterioară în editor. În acest caz, este recomandabil să dezactivați focalizarea automată după prima focalizare în locul dorit. De asemenea, puteți utiliza funcția de bracketing automat a camerei pentru a captura o scenă cu diferite expuneri.

Această funcție este de preferat, mai ales dacă aveți un trepied subțire, deoarece elimină posibilitatea ca camera să se miște la schimbarea setărilor, ceea ce, la rândul său, poate crea anumite dificultăți la combinarea cadrelor ulterioară.
Când fotografiez, am setat manual balansul de alb (WH). În primul rând, evaluez rezultatul în modul Live View al camerei sau fac câteva fotografii de probă. Fac asta pentru că filmez și în JPEG (dacă filmezi doar în RAW, nu trebuie să-ți faci prea multe griji pentru asta).

În ultima vreme m-am jucat cu Kelvins. Am setat temperatura la care îmi place cel mai mult aspectul imaginii. Monitorizez constant acest lucru, când se schimbă iluminarea scenei, fac corecții la balansul de alb. Numerele pot varia până la 9000–10000 Kelvin la apus.

În cele mai multe cazuri, am setat valoarea ISO la minim, pe camera mea este 200. Nu fac nicio ajustare la contrast, luminozitate sau corecție a culorii, doar măresc ușor claritatea din setările camerei la +4. Filmez la rezoluție maximă, în format RAW+JPEG. Deși acest lucru ocupă mai mult spațiu, de multe ori îmi place JPEG-ul camerei atât de mult încât nu văd nevoia de a face nimic global cu el, cu excepția, poate, să adaug puțin luminozitate și contrast. Și RAW rămâne așa, pentru orice eventualitate.

Fotografie 1. „Drumul spre toamnă...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/25c, f/16, 24 mm,
ISO‑200, BB - automat.

Panorame... Puteți scrie un articol separat despre ele... Deși voi fi sincer, nu văd prea mult rost să filmez o panoramă în 6 rânduri orizontale de 24 de cadre verticale. Ei bine, cu excepția cazului în care ne confruntăm cu sarcina de a imprima, de exemplu, tapet foto de înaltă calitate, care măsoară 10x10 metri. Pentru orice altceva, ceea ce se potrivește în obiectivul meu cu unghi larg este de obicei suficient pentru mine. Așa că filmez panorame în principal în 2-3 orizontale
cadru sau maxim 6 verticale. Fac asta atunci când este necesar sau când îmi este prea leneș să schimb lentilele, cel mai adesea în spațiu limitat sau când o vedere superbă nu se potrivește în cadru și vreau să surprind și mai mult. De exemplu, am filmat o panoramă stând pe vârful unui lanț muntos. Cadrul rezultat este în fotografia de mai jos. Camerele JPEG și distanța mea focală preferată este 12-24.

Fotografia 2. „Apus peste Borzhava...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/8c, f/11, 12 mm,
ISO‑200, BB - 9090K. Filtru gradient ND4.
Panoramă de 3 cadre orizontale.

De asemenea, s-au scris multe despre cum să fotografiați corect panoramele. Puteți găsi cu ușurință aceste informații pe Internet, așa că permiteți-mi să nu vă ocup timpul prețios, dragă cititor, cu judecățile mele în această privință - nu voi adăuga nimic nou aici.
Mai mult, în ultima vreme gravitez mai mult către un cadru, dar încăpător. Permiteți-mi să spun doar că pentru a îmbina panoramele, recomand în continuare utilizarea mai multor programe, deoarece rezultatele muncii lor diferă adesea și ceea ce a fost cusut prost într-un program poate fi ușor.
se dovedește a fi altul. Eu însumi folosesc programele PGTui și PhotoShop pentru asta.

Ei bine, acum că știm despre „cel mai bun obiectiv” și avem o idee despre ce trebuie făcut în timpul fotografierii, putem vorbi despre încă o etapă proces creativ- despre „debriefing” și așa-numita post-procesare. Voi divaga imediat. Uneori auzi de „denaturarea realității” și „prea mult Photoshop”... Se dovedește ciudat! Îndepărtarea unui coș de pe fața unui model este considerată normală, dar adăugarea bogăției buruienilor este o crimă. Desigur, când despre care vorbim despre filmare animale sălbatice pentru o revistă geografică, există anumite limitări. În toate celelalte cazuri, sunt pentru libertate deplină în creativitate. Lăsați rezultatul să justifice mijloacele. La urma urmei, dacă priviți în acest fel, chiar și fotografiile remarcabile alb-negru ale lui Ansel Adams pot fi numite într-o oarecare măsură o denaturare a realității - majoritatea oamenilor văd lumeaîncă în culoare. Dar să lăsăm demagogia pe seama filozofilor fotografiei și să continuăm.

Deci, te-ai întors acasă cu gigaocteți de imagini. Fotografii experimentați vă sfătuiesc să așteptați un timp, lăsând materialul să se infuzeze, ca să spunem așa. Sunt complet de acord, deși eu însumi nu am întotdeauna suficientă răbdare. De obicei, procedura de selecție este următoarea - când îmi place JPEG-ul unei camere, îl folosesc. Dacă nu sunt mulțumit sau cazul este dificil (dar interesant) sau necesită îmbunătățiri semnificative, lucrez cu un fișier RAW.
Nu am nicio schemă secvenţială specifică pentru procesarea fotografiilor. De exemplu, Scott Kelby are o astfel de schemă - sistemul „Magnificent Seven”, pe care îl descrie în cartea cu același nume. Chestia este că Scott este un fotograf comercial, pur și simplu trebuie să obțină rezultatul prezis. Sunt o persoană creativă, în plus, sunt liberă în creativitate și nu știu niciodată dinainte care va fi rezultatul. Nu îmi amintesc și nu scriu succesiunea acțiunilor mele. De fiecare dată se dovedește ca prima dată pentru mine. Acesta este ceea ce atrage creativitatea. Libertatea de alegere și imprevizibilitatea rezultatului - există întotdeauna un anumit mister. În cele din urmă, multe depind și de starea spirituală și de inspirație la un moment dat. „Peisajul este frumusețe, iar frumusețea este o categorie spirituală.” Asta mi se intampla si mie. Stai și stai, mișcă glisoarele - dar nu funcționează. Și apoi dintr-o dată cum merge! Într-o respirație, fără oprire, de parcă cineva îți spune ce să faci, unde să apeși. Miracole, și atât!

Fotografia 3. „Auriu pe gri...”
Nikon D300 + Nikkor 18–200 VR. 1/320c, f/8, 70mm,
ISO‑200, BB - 6250K, Photoshop.

Pentru a lucra cu materialul, folosesc PhotoShop CS 5 (sunt versiuni mai noi, dar acesta mi se potrivește absolut) și Camera Raw. Procesând-o într-un editor, poți transforma o fotografie bună într-una foarte bună, o fotografie foarte bună într-una remarcabilă. Dar niciun editor nu va face un mediocru
Fotografia este remarcabilă. Un editor nu este un panaceu, ci doar unul dintre instrumente. Principalul lucru este să-l obțineți inițial frumoasă lovitură. Poza buna nu necesită tehnici speciale, nicio intervenție globală.

Aș dori să atrag atenția asupra mai multor puncte importante, în opinia mea. Aș recomanda oricui este interesat de fotografia de peisaj, datorită specificului acestui gen, să stăpânească tehnica combinării cadrelor cu diferite expuneri. Fac acest lucru manual în PhotoShop folosind măști.
În acest fel, puteți controla complet procesul și obțineți rezultatul dorit mai bine decât folosirea software. Aș recomanda metoda de creare a măștilor din canalele Roșu, Verde și Albastru în modul RGB sau canalul Luminozitate în modul Lab. Practica acestei metode este bine descrisă de Serghei Ershov. În plus, toate acestea pot fi folosite atunci când lucrați cu o singură imagine. Procesăm cadrul pe straturi separate pentru a obține rezultatul dorit.
efect mai întâi pentru sol, apoi pentru cer și apoi combinăm aceste straturi folosind măști. Este important să nu uităm de perspectiva tonală în timpul procesului de prelucrare.

Aș dori să vă atrag atenția și asupra unui plugin foarte util, după părerea mea, pentru PhotoShop - Color Efex Pro, cu ajutorul căruia reglez culoarea, contrastul și creez diverse accente de iluminare. Acest plugin include destul de multe filtre diferite cu o varietate de setări. De regulă, folosesc fila Peisaj - Polarization, Skylight Filter, Pro Contrast. În fila Portret - Contrast tonal, Stralucire strălucitoare, Centru întunecare/Iluminare. Poti incerca si restul.

Aplic aceste filtre pe straturi separate, apoi le dezvolt treptat prin măști, dezvăluind acele părți din imaginea rezultată de care am nevoie, până când rezultatul este ceva care mi se potrivește - încerc să-l fac strălucitor, colorat și în același timp natural. pe cat posibil. În cele mai multe cazuri, imaginea finală, într-un grad sau altul, include rezultatele acestor filtre - cerul este procesat de un filtru, pământul de altul, copacul din prim plan cu o treime etc. Adică obținem o imagine „combinată”.imagine.

Pentru a clarifica imaginile de dimensiune completă, precum și pentru a reduce imaginile pentru web, folosesc și recomand metoda descrisă de Pavel Kosenko în seria sa „Ascuțire inteligentă”.
Așadar, când am rezolvat puțin partea tehnică a procesului fascinant numit „fotografia de peisaj”, aș vrea să vorbesc despre încă un lucru, în opinia mea, cel mai aspect important- ce și când să tragi. Probabil că toată lumea a auzit despre așa-numitul timp „regim” -
momentul optim pentru fotografierea peisajelor (și nu numai), când poți „prinde” cea mai interesantă lumină. Nu întâmplător am folosit cuvântul „prinde”. Pentru mine, fotografia de peisaj este comparabilă cu pescuitul. Adesea, într-o zi fierbinte de vară, puteți vedea copii pe râu, care, între înot, trag bărci care zboară înalt din apă. Captura este încă suficient de bună pentru o murka la prânz. Pescarii mai experimentați merg la râu dimineața devreme pentru a mânca seara și noaptea. Pescarii foarte experimentați pot explora râul săptămâni întregi în căutarea habitatului unui prădător de râu - somn sau biban, să-i studieze terenurile de vânătoare, zgomotele sub care se ascunde, să-l hrănească și abia apoi să înceapă, nici măcar să pescuiască, ci să vâneze. gigantul fluvial. Așa cum un pescar, după ce și-a așezat uneltele, așteaptă o mușcătură, așa și un fotograf, după ce și-a montat camera pe un trepied, așteaptă o lumină interesantă.

Nu întâmplător am folosit cuvântul „lumină”. Consider că lumina interesantă, neobișnuită, este cheia unei fotografii de succes, în primul rând. Cu o lumină bună, aproape că nu contează ce fotografiați - puteți fotografia orice și obțineți rezultate bune. Dacă adăugăm la aceasta un complot interesant și o filmare competentă din punct de vedere tehnic, putem obține o fotografie cu adevărat remarcabilă. Un fotograf trebuie să poată aștepta. Un exemplu de astfel de așteptare este fotografia de mai jos.

Fotografie 4. „Rapsodia de toamnă...”
Nikon D300 + Nikkor 55–300 VR. 1/200c, f/11, 300 mm,
ISO‑200, BB - Însorit.

Pârtiile cu garduri si copacul singuratic mi s-au parut destul de interesante. Soarele din acea dimineață străpungea periodic norii grei cu raze singuratice, creând pete bizare de lumină pe dealurile din apropiere. Am compus fotografia, am stabilit setările și am așteptat, sperând că raza de lumină va cădea peste acest copac singuratic. În timp ce așteptam, am făcut câteva fotografii înainte ca lumina să ajungă în sfârșit în locul pe care mi-l doream.

În post-producție, am întunecat puțin zonele de umbră pentru a scoate contrastul și a face întreaga scenă mai expresivă.
Iată un alt exemplu în care lumina interesantă a stat la baza subiectului unei fotografii.

Foto 5. „Soarele pe pârtii...”
Nikon D300 + Nikkor 18–200 VR. 1/80c, f/11, 112 mm,
ISO - 640, BB - automat.

Variat fenomene naturale, de exemplu ceață. Există chiar și o expresie - fără ceață nu există peisaj. Mai ales când soarele strălucitor al dimineții trece prin ceață...

Fotografia 6. „Soarele dimineții...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/640c, f/16, 17mm,
ISO‑200, BB - automat.

Prioritatea diafragmei, compensarea expunerii -1. Dar asta nu înseamnă că fotografii bune se obțin doar în zori sau apus, seara sau dimineața. Este interesant când vremea se schimbă. Este interesant când oamenii sau animalele intră în cadru.

Foto 7. „Schiță transcarpatică...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/500c, f/11, 12 mm,
ISO‑200, BB - Înnorat.

Prioritatea diafragmei, compensarea expunerii -1. Și, desigur, ce poate fi mai interesant pentru un fotograf de peisaj decât toamna?

Foto 8. „Prin pădurea de toamnă...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/125c, f/4.5, 24 mm,
ISO - 400, BB - Înnorat. Photoshop.

Când compuneți fotografia, încercați să urmați regulile general acceptate. Folosiți diagonale. Includeți în cadru drumuri, poteci, pâraie, garduri, coturi de relief, limite de vegetație, versanți de munți etc. - linii care vor ghida privirea privitorului prin fotografie.

Foto 9. „Graniță pentru toamnă...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/100c, f/5, 24 mm, ISO -
400, BB - Înnorat, -6. Photoshop.

Includeți în cadru obiecte care vor atrage atenția privitorului - case, pietre, copaci singuratici etc. și plasați-le în punctele raportului „de aur”. Creați accente prin evidențierea și accentuarea obiectelor cheie cu lumină și culoare.
Încercați să obțineți umbre adânci. Există umbre - există volum.

Fotografia 10. „Cabana...”
Nikon D300 + Nikkor 12–24/4. 1/200c, f/7.1, 15 mm,
ISO - 200, BB - automat.

Nu includeți lucruri inutile în cadru. Un obiectiv cu unghi larg, desigur, este un lucru bun, dar nu este necesar să fotografiați tot ce se potrivește într-un cadru de 12 mm. Încercați să găsiți zonele cele mai încăpătoare și interesante.

Fotografia 11. „Insula însorită...”
Nikon D300 + Nikkor 35/1.8. 1/250c, f/8, 35 mm, ISO -
200, BB - Înnorat.

Prioritate deschidere, compensare expunere +1. Se spune că cea mai bună lovitură este o lovitură aleatorie. În practica mea, am găsit confirmarea acestui lucru de mai multe ori. De asemenea, ei spun că cele mai bune fotografii vor fi făcute întotdeauna aproape de casă. Iubește-l pe al tău patrie, caută frumusețea din apropiere, în lucrurile simple care ne înconjoară.

Ei bine, dragi cititori, despre asta am vrut să vorbesc astăzi. Fotografiile prezentate în acest articol ca ilustrații pot diferi într-o oarecare măsură de tendințele prezentate, deoarece au fost realizate în timp diferit, când nici măcar nu știam despre multe lucruri. Ceea ce de fapt demonstrează încă o dată avantajul practicii față de teorie. Așa că trage pentru sănătatea ta! M-aș bucura foarte mult dacă aș ajuta pe cineva să învețe ceva util. Dacă nu, mă voi bucura de două ori, înseamnă că știi mai multe decât mine...

Mult succes tuturor!

Cu stimă, Yuri Turyanitsa (Duru).
E-mail: [email protected]

Știm că în lume există mulți fotografi umili și necunoscuți, dar pasionați, care călătoresc pe continente nesfârșite, sacrificându-și vacanța pentru a surprinde noi peisaje. Vă prezentăm mai jos lucrările doar ale unor artiști talentați, ale căror fotografii stârnesc interes și admirație.

Puteți consulta o altă publicație care conține, de asemenea, imagini frumoase de inspirație de la diferiți fotografi:
Peisaje frumoase pentru inspirația ta

Aaron Groen

Traseele stelelor și galaxiilor se îmbină într-un cântat frumos sincronizat în fotografiile lui Aaron Groen. Acest fotograf din Statele Unite are un talent fantastic și este un plus demn la selecția noastră.

Alex Noriega

Imaginile lui sunt pline de lumină captivantă a amurgului. Deșerturi nesfârșite, munți, păduri, pajiști și obiecte par imprevizibile în fotografiile lui Alex Noriega. Are un portofoliu minunat.

Angus Clyne

Starea de spirit și atmosfera încântătoare sunt două dintre cele mai importante definiții pentru opera lui Angus Klein. Pentru că sunt greu de separat de imaginile sale, Angus încearcă să obțină cât mai multă dramă, să capteze sensul și să transmită sentimentul care este inerent scenei.

Zen atomic

Numele acestui fotograf este în consonanță cu picturile sale, care amintesc de Zen. Există atât de multă tăcere mistică și o stare vie de transă în cadru. Aceste peisaje fenomenale ne duc dincolo de realitate și trezesc și mai mult interes pentru frumusețea planetei noastre.

Atif Saeed

Atif Saeed este un fotograf fantastic din Pakistan. El ne arată frumusețea ascunsă a țării sale maiestuoase. Peisaje frumoase cu munți suprareali plini de ceață și zăpadă vor captiva orice iubitor de fotografie de peisaj.

Daniel Rericha

Daniel Rericha este un fotograf foarte umil, autodidact, dintr-un orășel de la poalele Munților Metaliferi. Îi place să captureze frumoșii munți cehi.

David Keochkerian

Prin culorile mistice ale stelelor și valurilor, David pare să transmită foarte ușor esența și adevărata istorie a universului. Aruncă o privire la fotografiile sale fantastice pentru tine.

Dylan Toh

Dylan Toh ne poartă într-o călătorie de neuitat prin locuri uimitoare. Cu el putem economisi timp și prin imagini ne putem familiariza cu cascadele uluitoare ale Islandei sau explora lanțurile Munros din Scoția. Putem merge într-o călătorie virtuală de-a lungul lanțului muntos Annapurna sau putem asista la apusuri și răsărituri de soare de nedescris colorate în statul Australia de Sud.

Erik Stensland

Erik Stensland se ridică adesea cu mult înainte de zori pentru a face drumeții la lacuri îndepărtate sau vârfuri înalte american parc național Parcul Național Munții Stâncoși. El surprinde frumusețea de neegalat a parcului în lumina caldă a dimineții și, de asemenea, creează o colecție fotografică în sud-vestul deșertului, nord-vestul Pacificului și Marea Britanie. Eric își are misiunea de a dezvălui frumusețea naturală, surprinzând momente uimitoare care vă vor tăia respirația.

Grigore Boratyn

Peisajele dinamice strălucitoare și imaginile artistice minunate ale Mamei Pământ aparțin fotografului Grigory Boratin. De-a lungul anilor, ne-a captivat cu creațiile sale magnifice. Tablouri frumoase.

Jay Patel

Abilitatea de a percepe și aprecia Locuri frumoase a apărut în Jay Patel în copilăria sa în timpul numeroaselor călătorii în cele mai interesante locuri de pe subcontinentul indian. Pasiunea lui pentru o asemenea măreție se manifestă acum în căutarea lui constantă de a surprinde măreția naturii cu camera sa.

Cariera fotografică a lui Jay a început în vara anului 2001, când și-a achiziționat primul său aparat foto SLR digital. În anii următori, a petrecut mult timp citind reviste de fotografie și articole pe internet, studiind stilurile marilor fotografi de peisaj. Nu are nicio educație formală și nicio pregătire profesională în fotografie.

Joseph Rossbach

Joseph Rossbach a fotografiat peisaje de peste cincisprezece ani. Fotografiile și articolele sale au fost publicate într-un număr de cărți, calendare și reviste, inclusiv Outdoor Photographer, The Nature Conservancy, Digital Photo, Photo Techniques, Popular Photography, Blue Ridge Country, Mountain Connections și multe altele. etc. Încă călătorește mult și creează noi și imagini interesante lumea naturala.

Lincoln Harrison

Fotografii fenomenale cu trasee de stele, peisaje marine și scene de noapte caracterizează munca de calitate Lincoln Harrison. Toate fotografiile sale maiestuoase se adaugă la un portofoliu genial.

Luke Austin

australian fotograf de peisaj Luke Austin locuiește în prezent în Perth, Australia de Vest. Își petrece timpul filmând și călătorind în Australia, Canada, Noua Zeelandă și Statele Unite ale Americii. Căutarea constantă de noi compoziții, unghiuri și obiecte duce la îmbunătățirea și dezvoltarea continuă a abilităților sale fotografice.

Marcin Sobas

De asemenea, este specializat în fotografie de peisaj. Temele preferate ale autorului sunt câmpurile dinamice, diminețile cu ceață în munți și lacuri. Face tot posibilul ca fiecare fotografie să spună o poveste. poveste noua, unde personajele principale sunt lumina și circumstanțele. Acești doi factori dau lumii un aspect extrem și ireal în diferite momente ale anului și în diferite momente ale zilei. În viitor, Marcin Sobas plănuiește să-și încerce mâna să fotografieze păsările și animalele sălbatice, lucru pe care îl consideră extrem de fascinant.

Martin Rak

Privind picturile lui, nu poți să nu te întrebi unde naiba există astfel de peisaje cu lumini pâlpâitoare? Se pare că Martin Ruck nu are nicio problemă în a surprinde aceste peisaje frumoase, plin de viață si lumina.

Rafael Rojas

Rafael Rojas consideră fotografia ca fiind o filozofie specială a vieții, bazată pe observație, înțelegere și respect pentru lumea în care trăim. Aceasta este vocea și mediumul lui propria viziune liniște, precum și posibilitatea de a împărtăși cu alte persoane sentimentele care îl depășesc atunci când apasă obturatorul.

Fotografia pentru Rafael Rojas este același instrument creativ de amestecare a emoțiilor ca o pensulă pentru un artist sau un pix pentru un scriitor. În munca sa combină sentimentele personale cu pe plan extern, arătând cine este și cum se simte. Într-un fel, prin fotografiarea lumii el se reprezintă pe sine.

Vorbind despre genul peisajului, este imposibil să nu ne referim la opera marilor pictori de peisaj. Acum este greu de imaginat că în urmă cu două sute de ani un astfel de peisaj nu exista încă. Tradițiile picturii peisagistice rusești au început să prindă contur abia la sfârșit secolul al XVIII-lea. Înainte de aceasta, artiștii pictau sub influența maeștrilor italieni și francezi, înnobilând natura conform legilor academice de construcție, care erau considerate obligatorii în pictura din acea vreme.

O contribuție uriașă la dezvoltarea peisajului rus a fost adusă de Parteneriatul expozițiilor itinerante (Peredvizhniki), sub conducerea lui I. N. Kramskoy. Artiștii au cântat frumusețea naturii ruse discrete, simplitatea peisajelor rurale și întinderile vaste ale Rusiei.

Cei mai mari maeștri ai peisajului:

• Alexey Kondratyevich Savrasov (1830-1897)
• Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817–1900)

Ivan Ivanovici Sișkin (1832-1898)

Arta I.I. Shishkina este surprinzător de clară și transparentă. Picturile sale sunt un imn la natura vie și frumusețea ei. A creat artă peisagistică cu desișuri de conifere, cu întindere vastă, cu toată simplitatea peisajului nordic.

La vârsta de 12 ani, la insistențele tatălui său, a fost repartizat la Gimnaziul I Kazan. Curs complet niciodată terminat. În 1852 s-a mutat la Moscova și a intrat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură. Aici A. N. Mokritsky a devenit mentorul lui Shishkin. După finalizarea cursului (1856), talentatul student a fost sfătuit să-și continue studiile la Sankt Petersburg la Academia de Arte. Antrenamentul său a fost supravegheat de S. M. Vorobyov.

Profesorii au remarcat imediat înclinația lui Shishkin pentru pictura peisajului. Deja în primul său an la academie, a primit o mică medalie de argint pentru „Vedere în vecinătatea Sankt Petersburgului”. În 1858, artistul a primit o medalie mare de argint pentru pictura „Vedere pe insula Valaam”.

Succesele obținute i-au permis lui Shishkin să călătorească în străinătate ca bursier al academiei. Călătoria a început la München (1861), unde Ivan Ivanovici a vizitat atelierele artiștilor populari cu animale B. și F. Adam. În 1863, Shishkin s-a mutat la Zurich, apoi la Geneva, Praga și Dusseldorf. Simțind dorul de casă pentru patria sa, s-a întors la Sankt Petersburg în 1866, înainte de expirarea bursei sale.

În Rusia, artistul a primit titlul de academician (1865). Din acest moment a început cea mai fructuoasă perioadă a operei pictorului. Picturile „Tăierea lemnului” (1867), „Secara” (1878), „Pini luminați de soare” (1886), „Dimineața în pădure de conifere„(1889; urși scris de K. A. Savitsky), „Ship Grove” (1898) și multe altele.

Shishkin a lucrat activ în aer liber, făcând adesea călătorii în jurul Rusiei în scopuri artistice. Și-a expus lucrările aproape în fiecare an - mai întâi la academie, iar apoi, după înființarea Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante (1870), la aceste expoziții.

Ivan Ilici Levitan (1860-1900)

Născut la 30 august 1860 în orașul lituanian Kybartai într-o familie de evrei. Tatăl meu era un angajat minor în administrația orașului. La scurt timp după nașterea fiului lor cel mai mic, familia s-a mutat la Moscova. La vârsta de 13 ani, Isaac a fost acceptat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, la clasa A.K. Savrasov și V.D. Polenov. Încă de la începutul studiilor sale, Levitan și-a câștigat existența dând lecții și comandând portrete. A absolvit facultatea cu brio, dar din cauza experienței sale, i s-a acordat o diplomă de profesor de caligrafie.

El a pictat primul său tablou important, „Locația liniștită”, după o călătorie în 1890 în nordul Rusiei. Pânza a fost achiziționată de P. M. Tretyakov pentru galeria sa. În 1892, artistul a fost forțat să părăsească Moscova, deoarece evreilor nu aveau voie să locuiască în capitale. S-a stabilit într-un sat situat de-a lungul tractului Vladimirsky, de-a lungul căruia condamnații au fost conduși în Siberia. Artistul a surprins aceste locuri în pictura „Vladimirka” (1892). În anii 90 Levitan a mai făcut o călătorie, de data aceasta de-a lungul Volgăi. Acolo s-a născut tabloul „Vânt proaspăt”. Volga” (1891-1895). O exacerbare a tuberculozei l-a determinat pe artist să plece în străinătate, în Franța, apoi în Italia, deși eforturile prietenilor l-au ajutat să obțină permisiunea de a locui la Moscova.

Întors acasă, în 1898 Levitan a început să predea un curs de peisaj la școala de la care a absolvit. Sănătatea lui se deteriora, iar în 1899 artistul, la invitația lui A.P.Cehov, a plecat la Ialta. După ce s-a întors, a început din nou să predea, dar sănătatea lui a continuat să se deterioreze, iar pe 4 august 1900, Levitan a murit.

Peisajele cântăreței naturii rusești nu sunt doar imagini fotografice ale naturii - artistul a reușit să-și transmită respirația vie. Nu e de mirare că criticul V.V. Stasov a numit picturile lui Levitan poeme emoționante. În același timp, Levitan nu a fost doar un pictor de peisaj magnific. Moștenirea sa creativă include, de asemenea, desene, acuarele și ilustrații de cărți.

Orașul Plyos este asociat cu numele lui Isaac Levitan. Levitan vine la Plyos pentru trei veri la rând, în 1888-1890. Nu există un singur colț sau potecă în vecinătatea Plyosului, indiferent unde ai fost Mare maestru. Inspirat de frumusețile magice ale Plyosului, el pictează aici aproape 200 de tablouri și schițe! Acum picturi celebre: „Deasupra păcii eterne”, „După ploaie. Plyos”, „Seara. Golden Reach”, „Birch Grove” și multe altele au devenit decorațiuni ale colecțiilor Galerii Tretiakov, Muzeului Rus și multe colecții din Rusia și din străinătate.

Vasily Dmitrievich Polenov (1844-1927)

Născut la 1 iunie 1844 în moșia Borok (azi Polenovo în regiunea Tula) în familia arheologului și bibliografului D. V. Polenov. După ce a primit studii medii, Vasily a intrat la Academia de Arte din Sankt Petersburg (1863), iar puțin mai târziu a început să urmeze prelegeri la Facultatea de Drept din universitate.

În 1872, Polenov, care a absolvit ambele cursuri cu onoruri, a primit o călătorie în străinătate pe cheltuiala academiei. A vizitat Viena, Veneția, Florența, Napoli și a locuit multă vreme la Paris. Vizita acasă a fost de scurtă durată; în 1876 artistul s-a oferit voluntar pentru războiul sârbo-muntenegrino-turc.

În anii următori, a călătorit mult în Orientul Mijlociu și Grecia (1881-1882, 1899, 1909), Italia (1883-1884, 1894-1895). În 1879 s-a alăturat Societății artiștilor Peredvizhniki. În 1882-1895. a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova.

Ca recunoaștere a meritelor sale, Polenov a fost ales membru cu drepturi depline al Academiei de Arte în 1893. Din 1910, a fost implicat în dezvoltarea teatrelor provinciale, devenind trei ani mai târziu șeful unei secții speciale la Societatea Universităților Populare din Moscova.

Polenov este cunoscut ca autor de lucrări de diferite genuri. A abordat teme istorice și religioase - „Hristos și păcătosul” (1886-1887), „Pe lacul Tiberiade” (1888), „Între dascăli” (1896); în 1877 a creat o serie de studii despre catedralele Kremlinului și camerele palatului; în diverse momente a realizat decoruri de teatru. Conform schițelor sale, biserici au fost construite în Abramtsevo (în colaborare cu V.M. Vasnetsov) și în Bekhov lângă Tarusa (1906). Dar peisajele care i-au adus lui Polenov cea mai mare faimă au fost: „Curtea Moscovei” (1878), „Grădina bunicii”, „Vara” (ambele 1879), „Iazul îngrozit” (1880), „ Toamna de aur„(1893), care transmite farmecul poetic al colțurilor vieții orașului și al naturii rusești curate.

Artistul și-a petrecut ultimii ani ai vieții în moșia Borok, unde a organizat un muzeu de artă și colecții științifice. Aici funcționează din 1927 muzeul-moșie a lui V. D. Polenov.

Alexey Kondratievich Savrasov (1830 - 1897)

Artistul s-a născut la 12 mai (24) 1830 la Moscova, în familia comerciantului breslei a 3-a, Kondraty Artemyevich Savrasov. Contrar dorințelor tatălui său, care visa să-și adapteze fiul la „afaceri comerciale”, băiatul a intrat la Școala de Pictură și Sculptură din Moscova în 1844, unde a studiat la clasa de peisagist K.I. Rabus. În timpul studiilor sale, în 1850, a terminat pictura „Piatra în pădure de lângă Spill”, pe care criticii de artă o consideră oarecum incomodă în compoziție. În același an, pentru pictura „Vedere a Kremlinului din Moscova la lumina lunii”, i s-a acordat titlul de artist fără clasă.

Membru fondator al Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante (vezi Peredvizhniki). În primele lucrări ale lui S. predomină efectele romantice („Vedere a Kremlinului pe vreme nefavorabilă”, 1851, Galeria Tretiakov).

În anii 1850-60. Savrasov trece mai des la imagini calme, narative, în unele cazuri marcate de dorința de unitate de culoare a lucrărilor („Insula Losiny în Sokolniki”, 1869, ibid.), pentru a spori sunetul emoțional al clarobscurului. Rezultatul acestor căutări a fost pictura „The Rooks Have Arrived” (1871, ibid.), unde Savrasov, înfățișând un motiv exterior nedescriptiv și subliniind în viață mediul natural momentul tranziției (debut primavara timpurie), a reușit să arate sinceritatea profundă a naturii sale. Lucrările ulterioare ale lui Savrasov se remarcă și prin spontaneitatea lirică și interesul pentru aerul în aer liber (Drum de țară, 1873; Curte, 1870; Mormânt peste Volga, 1874, colecție privată, Moscova).

Alexey Savrasov, unul dintre cei mai mari reprezentanți direcția lirică în peisajul rusesc, a avut o influență imensă asupra pictorilor de peisaj ruși de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea.

A.K. a murit Savrasov 26 septembrie 1897, înmormântat la Moscova, la cimitirul Vagankovskoye. Aleea pe care este înmormântat îi poartă numele. Elevul lui preferat a fost Isaac Levitan

Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910)

Născut în ianuarie 1841 la Mariupol în familia unui cizmar de origine greacă. Fiind orfan, a crescut într-o familie de rude. A început să deseneze devreme și a stăpânit pictura mai ales pe cont propriu.

În 1855, a plecat pe jos la Feodosia pentru a studia cu I.K. Aivazovsky. Influența celebrului pictor marin asupra tânărului Kuindzhi a fost, fără îndoială. La sfârşitul anilor '60. Kuindzhi a ajuns la Sankt Petersburg. Artistul și-a prezentat primele lucrări în 1868 la o expoziție la Academia de Arte și în scurt timp s-a impus ferm ca maestru al peisajului: „Dezgheț de toamnă” (1872); „Satul uitat” (1874); „Trata Chumatsky în Mariupol” (1875), etc.

În 1870 a vizitat pentru prima dată insula Valaam, unde ulterior a pictat mult. După cum credeau contemporanii, peisajele create acolo au atras atenția spectatorilor.

Tabloul „Noaptea ucraineană” (1876) a uimit pur și simplu publicul și a determinat calea specială a autorului în artă. Cu ea, Kuindzhi și-a început „căutarea luminii” - a căutat să obțină iluzia completă a luminii naturale. Acest lucru s-a manifestat în cel mai înalt grad în pictura „Noapte pe Nipru” (1880) cu o potecă strălucitoare luminată de lună în întuneric catifelat.

Pictorul a dezvăluit posibilitățile peisajului într-un mod nou, transformând, purificând și ridicând realitatea. A obținut o intensitate extraordinară și o strălucire a culorilor, noi soluții de culoare. El se caracterizează prin numeroase picturi și schițe „solare” (inclusiv „ Birch Grove", 1879).

Contrastul intens de tonuri bogate, efecte de iluminare - toate acestea erau neobișnuite pentru pictura din secolul al XIX-lea. fenomen. Neînțelegerea dintre colegii săi l-a forțat pe Kuindzhi să refuze să participe la expoziții în momentul celui mai mare succes al său. Ultima dată când și-a expus opera a fost în 1882.

Artistul a trăit ca un pustnic în Crimeea, unde a creat o serie de pânze mari și sute de schițe, continuând să experimenteze cu vopsele și culoare. Printre lucrările ulterioare ale lui Kuindzhi se numără singura sa pictură narativă, „Hristos în grădina Ghetsimani” (1901) și „Noaptea” (1905-1908), care inspiră o armonie extraordinară.

În 1909, Arkhip Ivanovich a fondat Societatea Artiștilor (care și-a primit mai târziu numele), care a oferit sprijin oamenilor de artă. Pictorul a lăsat moștenire întreaga sa avere și lucrările din atelierul său acestei Societăți.